색채학 레포트 - 르네상스 미술의 개념과 표현기법을 사례를 들어 분석하시오.

I. 서론

미술관 사진으로 르네상스 회화를 볼 때 처음 눈에 들어오는 것은 인물의 표정이나 화려한 옷이었다. 색채학 수업에서 같은 그림을 다시 보니 배경의 파란 산과 얼굴 옆의 흐린 그림자가 더 신경 쓰였다. 멀리 있는 산은 왜 회색빛을 띠고, 얼굴 윤곽은 왜 선으로 딱 끊기지 않는지 질문하기 시작하자 르네상스의 사실성이 정교한 묘사만으로 생긴 것이 아니라는 점이 드러났다. 화가는 선형 원근법으로 공간을 계산하고, 빛과 어둠의 변화로 입체감을 만들고, 대기의 색 변화까지 화면 안에 옮겼다. 르네상스를 고대 그리스와 로마 문화의 부활이라고 설명하는 말은 출발점으로 유용하지만 그림 앞에서는 조금 부족하다. 인간의 눈이 실제 공간을 어떻게 보는지 관찰하고 그 경험을 평면에 재구성한 시기라는 점이 표현기법에서 더 분명하게 나타난다.

II. 본론

1) 고전의 부활보다 현실 공간을 다시 본 시선

르네상스라는 말은 재생이나 부활의 뜻을 갖고 있으며 미술사에서는 대체로 14세기부터 16세기 이탈리아를 중심으로 전개된 고전 문화 재평가와 새로운 예술 양식을 가리킨다. 런던 내셔널갤러리의 르네상스 안내도 이 시기를 고전 미술과 학문에 대한 관심이 되살아난 때로 설명한다. 고대 조각과 건축, 철학이 다시 주목받으면서 예술가들은 인간의 몸과 주변 세계를 설득력 있게 표현하는 방법을 탐구했다. 중세 미술을 사실성이 없는 시대로 낮춰 보는 방식은 조심해야 하지만, 르네상스 회화에서 자연 관찰과 공간 표현이 새로운 비중을 얻은 것은 분명하다.

인체 표현에서는 해부와 관찰이 중요한 역할을 했다. 성인과 성모 같은 종교 인물이 화면의 주인공인 경우에도 몸은 평면적 기호보다 무게를 가진 인간처럼 묘사된다. 옷주름 아래 몸의 구조가 느껴지고 얼굴의 빛과 그림자가 골격을 따라 달라진다. 고대 조각에서 배운 균형과 비례가 기독교 주제와 결합하면서 종교적 인물도 현실 공간에 서 있는 사람처럼 나타났다. 인간 중심이라는 말을 종교가 사라졌다는 뜻으로 받아들이면 맞지 않는다. 오히려 종교 장면을 인간이 실제로 보고 만질 수 있을 듯한 몸과 공간으로 바꾸는 데 관심이 커졌다.

색채도 현실감을 만드는 도구가 됐다. 르네상스 화가들은 색을 물체에 붙은 고정 속성으로만 다루지 않고 빛의 양과 거리, 주변 색의 관계에 따라 다르게 조절했다. 밝은 부분은 형태를 앞으로 끌어내고 어두운 부분은 뒤로 물러나게 한다. 멀리 있는 배경은 채도를 낮추고 푸른 기운을 더해 거리감을 만들 수 있다. 회화의 화면은 실제 깊이가 없는 평면인데 색과 명암의 단계가 눈을 속여 공간으로 느끼게 한다.

유화 기법의 발전도 색의 층을 다루는 가능성을 넓혔다. 얇고 투명한 색층을 겹치면 밑색이 완전히 가려지지 않고 빛이 층 사이에서 복잡한 깊이를 만든다. 이탈리아 르네상스의 모든 화가가 같은 재료와 방식을 쓴 것은 아니지만, 템페라에서 유화로 이어지는 재료 변화는 부드러운 명암과 섬세한 피부색, 광택을 표현하는 데 유리했다. 색채학에서 재료를 빼고 색을 말할 수 없는 이유가 여기 있다. 같은 안료도 어떤 매체와 바탕, 겹칠 방식으로 쓰는지에 따라 눈에 보이는 색이 달라진다.